音樂風格

音樂風格

音樂風格是指在音樂範疇中各種音樂要素--曲調、節奏、音色、力度、和聲、織體和曲式等富有個性的結合方式,但主要指的是曲調。這些要素的特殊結合方式能產生一種顯著的或獨特的音響。而且,我們還能談論一位作曲家的音樂風格,一個作曲家團體的風格以及一個國家民族或歷史上某一個時期的音樂風格。在世界的某一地域或大約同一時期的某些作曲家所創作的作品經常有相似的風格,但是各個作曲家運用同樣的音樂語言也能形成個性化的表現方式。

音樂風格隨著歷史時期的更替而不停地改變著,但是這些改變是持續的,這樣,任何一個風格時期與另一個風格時期的分界往往很模糊。雖然也存在一些突然的轉捩點,但哪怕最革命性的新風格也經常在早一些的作品中有所預示,很少有完全割裂以往傳統的風格變化。

  • 中文名稱
    音樂風格
  • 外文名稱
    The style of music
  • 類    別
    音樂
  • 特    色
    隨歷史變化

基本簡介

​在音樂範疇,風格指的是各種音樂要素——旋律、節奏、音色、力度、和聲、肢體和曲式等富有個性的結合方式。這些要素的特殊結合方式能產生一種顯著的或獨特的音響。而且,我們還能談論一位作曲家的音樂風格,一個作曲家團體的風格以及一個國家或歷史上某一個時期的音樂風格。在世界的某一地域或大約同一時期的某些作曲家所創作的作品經常有相似的風格,但是各個作曲家運用同樣的音樂語言也能形成個性化的表現方式。

音樂風格

音樂有多種多樣的風格,每個國家基本上都有自己獨特的音樂風格。而這些風格,大都是根據當地的風土人情來創造的。

音樂風格隨著歷史時期的更替而不停地改變著,但是這些改變是持續的,這樣,任何一個風格時期與另一個風格時期的分界往往很模糊。雖然也存在一些突然的轉捩點,但哪怕最革命性的新風格也經常在早一些的作品中有所預示,很少有完全割裂以往傳統的風格變化。

基本分類

音樂風格

中世紀音樂

人們所慣稱的“中世紀”跨越了一千年的歐洲歷史。這個歷經“黑暗時代”的時期大約始于450年。社會的所有階層都受羅馬天主教會的強有力的影響。正如天主教統治著中世紀人們的心靈和思想,在音樂生活也佔據支配地位。大多數重要的音樂家都是牧師,並且都為教會工作。成千上萬的教堂中一個最重要職業就是禮拜式的演唱。正是由于教會的這種顯要的地位,幾個世紀以來隻有宗教音樂被記錄保留下來也就顯得不足為奇了。

大多數中世紀音樂都是聲樂。大約在1100年後,樂器在教堂音樂中的運用逐漸增多。其中最主要的就是管風琴。

幾個世紀以來,西方音樂以隻有一條單獨旋律的單聲部音樂為基礎。在700年至900年間的某個時期開始出現了一場導致西方音樂轉變的革命——在格裏高利聖詠之下加上第二條旋律線。起初第二條旋律線是即興的,並沒有記下來,兩條旋律線以四度或五度的音程分開,一音對一音地平行運動。這種音樂即稱為奧爾加農。

在900~1200年間,奧爾加農演變成為真正的復調音樂,並且附加旋律不再嚴格的與聖詠平行,變得更為獨立。

1150年以後,歐洲思想與藝術之都的巴黎稱為復調音樂中心。巴黎聖母院連續兩任唱詩班指揮萊奧南和佩羅坦,都是最著名的作曲家。他們和他們的追隨者被稱為巴黎聖母院樂派

Gregorian Chant

Gregorian

這是在羅馬天主教會的正式禮拜儀式中所唱的聖歌,起源于中世紀的羅馬天主教會。當時有位教宗叫格林高利一世(Gregorius Magnus,任職期間公元590~604),他曾將這些聖歌編輯成冊,因此後世人稱其為“格林高利聖歌”。

Gregorian Chant具有以下特征:歌詞全是拉丁文,是無伴奏、無和聲的單一旋律線,節奏非常自由,採用不同于“大小調系統”的調式音階,同時還具有客觀的、非個人的與超世俗的性質。這種聖歌音樂與禮拜儀式密不可分,它們可算是“功能性的音樂”,亦即具有特殊功用的音樂,不具娛樂價值。它們主要旨在表達歌詞的宗教內涵,而不註重官能美感或情感需求。但有趣的是,中世紀許多俗樂與民謠卻改編自格林高利聖歌的曲調。

文藝復興時期音樂

1450~1600

文藝復興時期音樂

音樂風格

像在其他領域的藝術,音樂的範圍得到較大的擴展。作曲家和演奏家的數量同樣有較大成長。

如同過去,音樂家活動于教堂、宮廷和城鎮。教堂仍是重要的音樂贊助者,但是音樂活動逐漸轉向宮廷,音樂家也擁有比以前更高的身份獲得更高的報酬。

在文藝復興時期的音樂中,若存在著寬闊的感情內涵時,卻也經常以一種中庸、平衡的方式表達,其間沒有相應的力度。音色或節奏的極度對比。

盡管當時樂器仍從屬于聲樂,但其間已變得更為重要。然而在16世紀,樂器越來越脫離聲樂的羈絆更多的音樂是特意為樂器而寫的。

巴洛克音樂

1600~1750

巴洛克音樂

音樂風格

巴洛克(Baroque)一詞本義是指一種形狀不規則的珍珠,在當時具有貶義,當時人們認為它的華麗、炫耀的風格是對文藝復興風格的貶低,但現在,人們已經公認,巴洛克是歐洲一種偉大的藝術風格。

一首巴洛克作品往往表達一種基本情緒:那些以輕快開始的必以輕快貫穿全曲。相對于這種單一情緒的巴洛克原則,最初的例外出現在聲樂作品。巴洛克音樂中情緒的一致性首先由持續的節奏型所表現,旋律同樣形成一種連貫同意的感覺,與之相呼應的是前後一致的力度層次:在某個時間片段內,音量趨向于保持一致。

最重要的兩位巴洛克作曲家是喬治·弗裏德裏克·亨德爾和約翰·塞巴斯蒂安·巴赫(J.S.Bach)。

1750年J.S.巴赫的去世標志著這種風格音樂時代的結束。

古典主義音樂

1750~1820

古典主義音樂

音樂風格

Classical Music,中文翻譯為“古典音樂”。有人認為"古典"給的感覺有古董、古板的味道,故改稱“經典音樂”。也有人根據牛津英文辭典裏對古典的定義:to be in traditional andserious style,而稱之為“嚴肅音樂”。于是,“古典音樂”又被戴上了“嚴肅”的帽子,讓人更不敢靠近。

但下此定義的人一定沒有好好查字典,因為“serious”的第二條義項是這樣給出定義的:(指書、音樂等)啓發思考的,不僅為消遣的。

因此我們知道原來古典音樂不同于流行音樂的地方是它內涵深刻,能發人深思,更能使人高尚,免于低俗。再來看一下朗文辭典對古典音樂的解釋:music that people consider serious and that has been popular for a longtime(發人深省並且長期流行的音樂)。

可見,“古典音樂”是歷經歲月考驗,久為傳誦,為眾人喜愛的音樂。如此看來,譯成”經典音樂“的確更妥當一點。隻是大家都說慣了,要改口總覺得別扭,還是稱其為”古典音樂“吧,要怪隻怪當時第一個翻譯的人,怎麽沒想到“古典”會帶來這麽多的誤解。還好,沒有意譯成”嚴肅音樂“,否則真的是要貽笑大方了。

當我們聽到巴赫貝多芬、莫扎特、舒伯特的音樂時,它帶給我們的不僅僅是優美的旋律,充滿意趣的樂思,還有最真摯的情感,或寧靜、典雅,或震撼、鼓舞,或歡喜、快樂,或悲傷、惆悵......

PS:Classical Music:(of music) written in a Western musical tradition,usually using an established form (for example a SYMPHONY) and not played onelectronic instruments. Classical music is generally considered to be seriousand to have a lasting value.(引自《牛津高階(第6版)》)

參考翻譯:(關于音樂)以一種西方音樂傳統創造,常使用確定的格式(比如:交響樂)。且不用電子樂器演奏。古典音樂通常引人深思,並且歷久彌新。 Classical指西方古典的,傳統的;Classic指經典的,優秀的。

浪漫主義音樂

1820~1900

浪漫主義音樂

浪漫主義音樂是古典主義音樂的延續和發展,是歐洲音樂史上的一種音樂風格或著一個時代。浪漫主義風格音樂註重情感和內容的表達,打破古典主義音樂時期的種種形式上的束縛。

貝多芬是古典主義音樂的終結者,也是浪漫主義音樂的先行人,浪漫主義音樂拋棄了古典音樂的以旋律為主的統一性,強調多樣性,發展和聲的作用,對人物性格的特殊品質進行刻畫,更多地運用轉調手法和半音,浪漫主義歌劇的代表是韋伯,音樂的代表是舒伯特。

浪漫主義音樂體現了影響廣泛和民族分化的傾向,在法國出現了柏遼茲,義大利有羅西尼,匈牙利的李斯特,波蘭的肖邦和俄羅斯的柴科夫斯基。浪漫主義音樂終結在瓦格納和勃拉姆斯時代。

鄉村音樂

鄉村音樂

這個名字是20世紀20年代在美國出現的,它的源流很廣。那時歌曲的內容,除了表現勞動生活之外,厭惡孤寂的流浪生活,向往溫暖、安寧的家園,歌唱甜蜜的愛情以及失戀的痛苦等都有。

在唱法上,起先多用民間本嗓演唱,形式多為獨唱或小合唱,用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。

鄉村音樂的曲調,一般都很流暢、動聽,曲式結構也比較簡單。多為歌謠體、二部曲式或三部曲式。

爵士音樂

爵士

爵士樂由民歌發展而來,有多種源頭,不易仔細考證。19世紀期間音樂是美國南部種植園黑人奴隸們表達自我生活和情感的重要手段。從19世紀末開始,爵士樂以英美傳統音樂為基礎,混合了布魯斯、拉格泰姆及其它音樂類型,是一種“混血”的產物。美洲的黑人音樂儲存了大量非洲特色,節奏特色明顯,而且保留了集體即興創作的特點。這種傳統與新居住地的音樂——大部分是聲樂——結合起來,結果誕生的不僅僅是一種新的聲音而是一種全新的音樂表達形式

搖滾音樂

搖滾

究竟什麽是搖滾呢? 長頭發、皮夾克、破了洞的牛仔褲……也是,也不是; 吉他、貝司、鼓……也是,也不是; Elvis Presley、The Beatles、Bob Dylan、Nirvana……也是,也不是;年輕的自由、荷爾蒙的沖動、離經叛道……也是,也不是;節奏、歌詞、旋律、夢想、真實、感覺、狂野、信仰、力量、憤怒……也是,也不是;…… 其實這些相關的聯想隻是一些表相,對于真正的搖滾文化,對于遮藏在這些“皮相”之下的“核”,你是否有興趣去了解呢?從最純粹的形式來講,所謂搖滾,就是三和弦加強硬持續的鼓點加上口的旋律。搖滾不僅是一種音樂形態,實際上它是一種“人生的態度和哲學“,也正因為如此,搖滾樂才有別于一般流行音樂(Pop Music)。真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣一個縮微的全貌:嬉皮文化、藝術搖滾、朋克樂、先鋒音樂、重金屬等。

重金屬音樂

重金屬

重金屬音樂(HEAVY METAL),簡單來說,就是用稍微超常的力度來演奏搖滾樂。吉他,作為這種音樂的主要元素,在演奏時比通常響一點,更具復仇感。貝司的位量也前移了,就像“誰人”(the Who)樂隊的約翰·恩特威斯爾(John Entwistle)在演奏《我的年代:魔術汽車》(My Generation: Magic BMs)一樣。以前,隻有在爵士樂中貝司被當做主要樂器,但現在它已變得和演唱一樣重要。與普通流行音樂相比,鼓打得更重更快,這對聽眾造成一種沖擊。最後是歌手——他讓聽眾體驗到死亡、性、毒品或酒精和其他新生事物沖擊的情緒和感覺,並使那些在流行音樂中出現過的主題顯得更真實可信,可能更駭人

朋克音樂

朋克

PUNK, 是興起於1970年代的一種反搖滾的音樂力量。 PUNK在中國大陸譯作"朋克"; 在台灣譯作"龐克", 香港則叫作"崩"。 在西方, PUNK在字典是解(俚語)小流氓、廢物、妓女、孌童、低劣的等意思 (雖然現在它的意思有了一定的改變)。 從最早由Leg McNeil于1975年創立《PUNK》雜志,之後由Sex Pistols將此音樂形成潮流距今已有25年歷史了。要了解PUNK對世界及對室內空間的影響, 必先了解PUNK的意義及發展。

電子音樂

電子音樂

電子音樂(Electronic music,也稱TECHML),簡稱電音。

廣義而言,隻要是使用電子設備所創造的音樂,都可屬之。任何以電子合成器、效果器、電腦音樂軟體、鼓機(drum machine)等“樂器”所產生的電子聲響,都可合理地稱為電子音樂。廣義電音的範圍相當廣泛,電影配樂、廣告配樂,甚至某些流行歌、搖滾樂中都會出現,隻是常人不易發覺。極狹義而言,電子音樂指涉科技(Techno)、出神(Trance)等種類的樂曲。然而事實上,隻要是使用電子設備所創造的音樂,包括浩室(House)、鼓打貝斯(Drum and Bass)等音樂類型,甚至是隻是使用電子放大器(amplifier)的爵士樂與民歌,也可以是電音。

靈樂

應該稱為靈魂音樂。

靈魂樂是南方福音和中西部的節奏藍調的融合,禮拜樂的復興被帶入節奏藍調的 Boogie-Woogie 世界之中。從這種肥沃的基礎開始,靈魂音樂誕生了。靈魂音樂的特點是堅實的節奏部分配以明確的世俗動感及宗教音樂。吉它常常讓位于 Hammond B-3 風琴,同時採用一些管樂。然而幾乎所有靈魂音樂都以熱情、高揚的嗓音作為標志,偶爾也加一些即興表現。

靈魂音樂指望它的聽眾去尋找愛、為愛而寬恕、或者幹脆搖尾乞憐地求愛。熱情的藝術家們例如 Sam Cooke, Aretha Franklin 和 Al Green 總嘗試淡化靈魂歌手和福音傳道士的分界線。你幾乎可以把靈魂音樂稱作是沒有宗教的宗教的音樂。底特律和費城等城市是主流靈魂的溫床,因為它在 60 年代中後期被廣泛接受,而阿拉巴馬的 Muscle Shoals 和孟菲斯著名的 Stax/Volt studio 的發展使靈魂樂關聯到 funk 的產生。

靈魂音樂對美國流行音樂的影響回蕩于 70 年代的白人靈魂到今天的節奏藍調的音樂家包括雜技歌手 Mariah Carey 和那個“以前叫做 Prince 的藝人”。

風格查詢

R&B的全名是 Rhythm & Blues,一般譯作"節奏布魯斯"。廣義上, R&B可視為“黑人的流行音樂”,它源于黑人的Blues音樂,是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎,Billboard雜志曾介定 R&B為所有黑人音樂,除了 Jazz和Blues之外,都可列作 R&B,可見 R&B的範圍是多麽的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B,並且同時儲存著不少 R&B成分。

HOUSE 舞曲

HOUSE是于八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。 這是芝加哥的DJ玩出的音樂,他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓(Drum Machine)規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一起,House就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲,為電子舞曲最基本的型式,4/4拍的節奏, 一拍一個鼓聲,配上簡單的旋律,常有高亢的女聲歌唱. DISCO流行後,一些DJ將它改變,有心將DISCO變得較為不商業化, BASS和鼓變得更深沈,很多時變成了純音樂作品,即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子,往往沒有明確歌詞。漸漸的,有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群島)、 RAP(說唱)或 JAZZ(爵士)等元素,至八十年代後期, HOUSE沖出地下範圍,成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。

為什麽會叫"House"呢?就是說隻要你有簡單的錄音設備,在家裏都做得出這種音樂~House也是電子樂中 最容易被大家所接受的.Cher唱的Believe 就是個好例子.而M-People可說是House代表團體.House舞曲在1 *** 年開始流行後,可說是取代了Disco音樂.

House可分為

Acid House

也就是融合了TB-303的Acid聲的House樂

Deep House

有著相當濃厚的靈魂唱腔,又叫作Garage,蠻流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage團體.

Hard House

簡單來說,就是節奏較重,較猛的House.

Progressive House

這類House沒啥靈魂唱腔,反而比較註重旋律和樂曲編排.有一 點像"演奏類"的House樂.像SASH!的專輯It's My Life便是很好的Progressive House專輯.

Epic House

就是"史詩"House. Epic House有著優美,流暢的旋律和磅礴的氣勢, 很少會有vocal在裏面(幾乎是沒有!).BT的音樂就是很棒的Epic House,而他也被稱作"Epic House天皇". 其實連Rock也有"Epic Rock"

Trible House

想象一下:帶有非洲原始風貌或是印地安人的鼓奏的House是啥樣? 這就是Trible House~這種House除了有一般House穩定的節奏外,在每拍之間,會加入一些帶有原始風貌,零碎的鼓點. 蠻有趣的~

不過,House的範圍太廣了,大家也不用硬要把一首曲子分類.這些隻是告訴大家,House很多種"而已。

到了九十年代, HOUSE已減少了那前衛、潮流色彩,但仍是很受歡迎的音樂。

Britpop英倫搖滾

Britpop雖有個“ Pop"字,但其實是 Rock的一種,源于九十年代英倫,中文可譯為“英式搖滾”,這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應,主要是以樂隊形式出現。不過, Britpop風格其實十分廣泛,如 Oasis是結他搖滾樂隊, Blur則Pop很多,而Pulp則接近Glam Rook及跳舞風格,不過他們都被列作 Britpop。

英國 Britpop代表人物:

Oasis

Blur

Suede

Pulp

Radiohead

Trip-Hop神遊舞曲

Trip-Hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種,它的名字來源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop",因為它發源自英國的Bristol,因此最早時稱作"Bristol Hip-Hop".。由于把把Hip-Hop(其實很多音樂都是架構在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他們多半是用Hip-Hop音樂來跳的.)節奏變慢(有時很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很陰沉,肥厚的Bass,輕微但迷幻的 合成音效,或是些唱片的取樣,有時可能連唱片的雜音都會被"故意"取樣進去.所謂“ Trip",指迷幻,氤氳的葯物「旅程」,所以, Trip-Hop是種慢板的迷幻的、有 Jazz感覺的、迷糊的、帶點 Hip Hop節奏的 Break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類,但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。

外國 Trip-Hop代表人物:

Trip-Hop中公認的鐵三角:Portishead, Tricky, Massive Attack.

Mandalay Moloko

Coldcut

Gangsta Rap 匪幫說唱

Gangsta Rap是 Rap的一種,以 Rap的內容多與都市罪案有關,充滿暴力、色欲感受,這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美國興起,音樂Rap中的強悍尖銳派,在美國大受歡迎,唱片銷路甚高。而不少 Gangsta Rap樂手本身真正“參與”現實中各式罪案,部分更因而入獄甚至死亡,可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。

Gangsta Rap代表組合:

Ice-T、 Ice Cube

Dr. Dre

Snoop Doggy Dogg

2 Pac

Geto Boys

Synth Pop

Synth Pop中的 " Synth",即 Synthesizer,顧名思義, Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮製出來的流行樂”,當然除 Synthesizers外還會用上其它電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop于八十年代初期開始流行,至八十年代中開始沉寂,當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。 Synth Pop的特點是科技感強,有時會頗冰冷,歌曲多是“三分鍾流行曲” (3-minutes Pop),很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。

Synth Pop代表組合

Depeche Mode

Human League

Duran Duran

OMD

Gary Numan

ORCHESTRA 管弦樂團

ORCHESTRA就是管弦樂團,它分成四部分: 1弦樂,包括小提琴、大提琴等, 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏 (豎琴除外 ),四組演奏者由一人統籌兼領導,他就是樂團的指揮。 ORCHESTRA于17世紀出現,到 18世紀因海頓和莫扎特的作品而清楚地建立模式。 19世紀加入了些新樂器,樂團人數加大。 ORCHESTRA是西方古典 /正統音樂的正宗。西方流行 /搖滾樂也經常運用 ORCHESTRA的部分或全部團員協助演出。

CHAMBER POP 室內樂

CHAMBER POP是指典雅、高貴、精致的一種流行樂,它有一定的古典音樂感覺。 CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂,中文叫"室內樂",是種小組弦樂演奏曲式,氣氛高雅。 CHAMBER POP于九十年代興起,是對當時的 LO-FI及 GRUNGE的一種反應,強調優美的旋律、精致的配樂、幹凈的錄音,每每多用弦樂、管樂製造巴洛克時代的音樂感覺。外國代表樂隊有 THE DIVINE COMEDY, RIALTO, ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等,香港則有黃耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。

FOLK民歌

民歌(FOLK)原本是指每個民族的傳統歌曲,每個民族的先民都有他們自原始 /古代已有的歌曲,這些歌絕大部分都不知道誰是作者,而以口頭傳播,一傳十十傳百,一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌 (FOLK),大都是指流行曲年代的民歌 (FOLK),所指的是主要以木結他為伴奏樂器,以自然坦率方式歌唱,唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音,所以普遍被認定是現代民歌 (FOLK)的祖師。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS繼續推動這類音樂,六十年代越戰,反戰民歌手如 BOB DYLAN,JOAN BAEZ,PETER,PAUL AND MARY等成為時代的呼聲。後民歌向 POP,ROCK及都市化發展, BOB DYLAN發明了 FOLKROCK, SIMON & GARFUNKEL發展出中產口味的都市 FOLK POP,風行一時。八十年代 SUZANNE VEGA,TRACYCHAPMAN等 +走出一種更富現在都市感覺的 URBAN FOLK(城市) / CONTEMPORARY(當代) FOLK路線。民歌 (FOLK)在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌 (FOLK近年較新的發展是與 NEW AGE結合 (如 ENYA),及與 TRIP HOP結合(如 BETH ORTON)。

BOSSA NOVA巴西音樂

BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂, 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成,柔和、舒服、輕松、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第 1,4,7,11,14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔, 50年代中期傳入美國後大受歡迎,其它著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等,最著名的歌曲為 "THE GIRLFROM IPANEMA"。 OSSA NOVA于 60年代最流行,其餘年代亦不斷有捧場者。

CLASSICAL POP 流行

CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲,多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類,例如 THE BEATLES的 "ELEANORRIGBY"就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP,則是指經典的流行曲。

ACAPPELLA 清唱

ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲,但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA,不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法,連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL,即純音樂樂曲,任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是 "SO MUCH IN LOVE",香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。

WORLD MUSIC 傳統音樂

WORLD MUSIC是西方角度觀點的辭彙,意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音樂,通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂,例如非洲及南亞洲地區的音樂,有些地區如拉丁美洲的音樂,則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE,東歐的DON BYRON,中國的朱哲琴,巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。

DREAM-POP 流行

DREAM-POP是種“夢”般的流行曲,它有一種迷離的氣氛,多靠SYNTHESIZERS(電子合成器)造成,加了ECHO效果的電結他也是重要的成分,歌唱部分往往很 'BREATHY'即呼吸聲重,歌詞也往往有夢般的詩意色彩。代表樂隊有 COCTEAU WINS, LISA GERMANO, ST.ETIENNE, THIS MORTAL COIL, MY BLOODY VALENTINE, MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲為首,代表作有 "迷路 "、 "DI-DA"等。

NEW AGE新世紀

NEW AGE是種寧靜、安逸、閒息的音樂,純音樂作品佔的比重較多,有歌唱的佔較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC(即以傳統自發聲樂器演奏)的,也可以是很電子化的,重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺,洗滌聽者的心靈,令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關,不少NEW AGE音樂說可以治病,也有不少與打坐冥想有關,這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關系。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂, WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司, NEW AGE代表樂手有 ENYA, GEORGE WINSTON, WILLIAM ACKERMAN, YANNI, KITARO等等。

Electrophonic Music電子音樂

隨著時代的演進,音樂家有了更多製作音樂的方法.所謂電子音樂,就是以電子合成器,音樂軟體,電腦等所產生的電子聲響來製作音樂.電子音樂範圍廣泛,生活周遭常常能聽到,在電影配樂,廣告配樂,甚至某些國語流行歌中都有用到,不過以電子舞曲為最.很多人認為電子樂是一種冷冰冰,沒有感情的音樂.其實電子樂也可融入Rock, Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。

電子音樂的類型也是多種多樣的,包括HouseTechnoAmbientTrance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum'n'Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、Minimalism。

Techno高科技舞曲

Technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用電腦,合成器合成,做出一些特殊音效,這種音樂常常是許多音效組合起來的. Techno的節拍也是4/4拍,但速度較House快,且聽起來具重復性,較強硬,較機械化,所以某些人稱Techno為"工業噪音",但某些還是會註重旋律的. Techno起源于美國底特律,有三名DJ: Derrick May,Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合,而產生了Detroit Techno. Detroit Techno通常較平緩, 不像一般的Techno那樣強勁,可說是現代Techno的起源.

Ambient 情境音樂

聽起來起伏不大,但其實一直在做改變,像是長時間的音效, 或是漸進式的音樂編排等等,常會營造出有層次的空間感,所以被稱為"情境音樂", 且常對于生活周遭的聲音做取樣,如人聲,汽車聲,甚至是其它音樂的旋律...等等.為70年代的Brian Eno所創,是一種很"高深"的電子音樂.後來Ambient也有分支,如Ambient House, Ambient Techno...等等,相信大家從字面上就能了解,其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子,甚至某些古典樂中 也有Ambient的味道.

Trance 迷幻舞曲

由Techno演變而來,聽了會讓你有"出神"的感覺,但還是保有舞曲的律動 ,很註重Bass的表現 ,某些聽了會有"催眠"的效果.拍子也是以4/4拍為主.

Psychedelic Trance印度

又名Goa Trance,發源于印度的一個小島上.Goa即為這小島的名字. ,旋律常帶有印度風味.這類Trance的特征,就是很重視旋律,音符之間的細微變化,且常有重疊的旋律,和高亢的TB-303聲音出現.有點Ambient的味道.

Break beat

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那麽規律,而是以破碎的節拍呈現,像是切分拍.如在兩拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat隻是一 個總稱而已,有很多種音樂都屬Breakbeat,如以下的Brit-Hop,Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一種

Brit-Hophip-hop

把黑人Hip-Hop的節奏加快鼓聲加重,配合些許電吉他,Bass,有搖滾樂的味道, 如The Chemical Brothers的曲風即是.

Big-Beat 大節拍

把Brit-Hop變得更快,節奏更重,更有搖滾的味道,可說是將Brit-Hop改良後, 更成熟的一種曲風,你可以想象一下又重又碎,又有點快的節拍是什麽樣子.如The Prodigy,The Chemical Brothers, Fat Boy Slim即是Big Beat的"大角

Drum'n'Bass

對某些人來說,Drum'n'Bass的音樂可能很煩,因為Drum'n'Bass很註重在節奏上玩花樣,還有Bass的表現, 像是很快很快,復雜的碎拍,以及運用各種不同的電子鼓,或是取樣而來的鼓聲.因此Drum'n'Bass也是Breakbeat的一種.4Hero為Drum'n'Bass的知名樂團.

Jungle

Jungle就是Drum'n'Bass的前身.Jungle的速度比Drum'n'Bass快很多,而且節拍更為 復雜,比較強悍,有時會搭配一些Rap,不像Drum'n'Bass會融合一些Jazz,Soul等元素,聽起來比較柔(當然這是和Jungle比起來~).連"搖滾變色龍" David Bowie現在都搞起Jungle了

Electro

早在70年代末,80年代初,那時還沒有House,Techno...這類玩意兒,電子音樂也較不盛行,隻有Electro這類電子音樂而已. Electro可說是純粹以電子合成器(Synthesizer,長得有點像Keyboard)來發聲的音樂,通常蠻輕柔的,且常使用Roland公司的鼓機(Drum Machine)TR-808來發鼓聲.德國的Kraftwerk樂團可算是代表. 現在的Electro音色比以前明亮,透明許多.後來一些DJ利用Electro變形成了一種Hip-Hop樂,被稱作Old School.現在的Fatboy Slim(流線胖小子)也融合了一些Electro和Old School在音樂中.

Dub

Dub可說是將歌聲抽離隻剩下音樂的Reggae(瑞格,也有稱之為雷鬼,一種很有節拍性 ,唱腔特別的南美黑人音樂).而將Dub運用在 電子樂上,則是將部份歌聲抽離,將Bass和鼓聲加重,並且加入大量的Echo(回音)等效果.這種技術常在現場表演時,將歌曲重新混音(Remix)呈現.像Massive Attack 的專輯Protection便由Mad Professor從Trip-Hop音樂混音成了Dub版本.

Chill Out 冷卻音樂

這隻是一種統稱而已.在舞池旁邊,常會有一個區域,或是小房間,裏頭會放一些較緩和,較平靜的音樂,讓舞客跳完舞後緩和情緒,休息一下,以放Ambient音樂為主,所以會叫 "Chill Out"(冷卻)就是這個緣故.The Orb可說是Chill Out音樂大師.

Minimalism 極小派樂風

這被翻譯成"極小派樂風",在Ambient和Techno的音樂中 常聽的到.帶有Minimalism的曲子有著重復性的旋律,還有一種特別的律動 ,感覺上像一種特別的頻率一樣 讓你聽了會有被催眠的感覺.Jeff Mills的作品就屬于Minimal Detroit-Techno,帶有相當的迷幻色彩.]

Grunge車庫

以運用the Stooges和Black Sabbath模糊,黑暗的聲音作為基礎,車庫是重金屬和朋克的混合物。盡管吉他是直接來自70年代早期的金屬,車庫的風格完全和金屬不同。不管是歌詞的手法或是車庫在音樂上的的攻擊都被朋克採用了,特別是被80年代早期有著自由思想的美國硬核。車庫樂隊的第一場浪潮---Green River, Mudhoney, Soundgarden---比第二場更為深刻,它開始于Nirvana。Nirvana在旋律上比他們的前輩更為優美,他們還以stop-start的特點著稱,它失真,扭曲的吉他幾乎成了這個風格的象征。在Nirvana穿越主流後,車庫失去了許多它本質的自由和與朋克的聯系,並且成為了在90年代重型搖滾中最流行的風格。

Album Rock專輯搖滾

70年代,FM調頻電台逐漸忽視那些對轉播早期的調頻電台的隨心所欲的革新之後的電台傳媒。就理論上,新的電台做著前人們也做過的事——以專輯播放而非單曲——但他們很快依賴與一組為他們演奏的音樂家,讓所有專輯搖滾樂家聚在一起,一件很累的事就是他們通過媒介介紹他們在專輯中的貢獻,加上以他們的音樂展示他們是專輯搖滾的奠基者。這意味著專輯搖滾有重金屬/南部布魯斯搖滾。前衛搖滾由那些搖滾樂隊中的演唱者與詞曲作家組成。它有很多不同種類,但是他們都有藝術之美與放縱的特征,加上它不斷的在調頻電台中的播放,使這些專輯搖滾也幾乎壟斷了70年代的調頻電台的電波。它們一直持續到80年代,但當專輯搖滾電台逐漸發展成古典搖滾的風格,專輯搖滾就越來越少的出現在電波中。到了90年代,專輯搖滾樂隊依然在推出新專輯,但它們過去那些老歌依然還能在電波中聽到——並且經常在音樂會上演奏。

Hard Rock硬搖滾

硬核是一個常常被用于形容任何一種喧吵的,有侵略性的吉他搖滾的詞語,要不是這些用途,這個定義是更精確的。確切點來說,硬核的確是高聲喧吵的,帶有侵略性的吉他搖滾,但是它並不是很重金屬一樣重,它受朋克的影響很少(盡管他幫助朋克產生了靈感)。硬核表演通常是很大規模的,露天大型演唱會上即興重復的吉他演奏,贊美詩的合唱,重踏誇張的基調強節奏;它的目的通常是瞄準商業價值的,它幾乎永遠都是滲透著男子氣概的。看某些些樂隊,可能很難分辨出硬核和重金屬的區別,但是從Black Sabbath出現後兩者基本的差別就很明顯的存在了,金屬傾向更黑暗和更富威脅成分,而硬核(大部分情況)還是保留著華麗的,龐大的派對音樂。加之,金屬的重復段常常以獨奏的形式出現,而硬核重復段則是在他們吸引人的特點上突出和音的級數,製造出放縱的氣氛,更為寬松的特點有益于他們大踏步的前進。像重金屬一樣,硬核在如Cream, Jimi Hendrix和the Jeff Beck Group這些先驅的帶領下于60年代中期藍調搖滾迷幻的十字路口處和爆發。藍調搖滾和迷幻都在探究電子擴大的限度,藍調搖滾推動了吉他重復段的中心舞台,它使用一些藍調節拍以外的旋轉並且用極大的力量代替了它。硬核確實在70年代早期找到了自己的特點,通過the Rolling Stones, Faces粗暴,瘋狂的搖滾,Led Zeppelin blues-drenched的力量和粗糙的音樂安排,Deep Purple前迷幻的不斷咆哮,和the Who高聲,巨大喧吵的和音,為很多模仿者提供了模式。而後的十年中,AC/DC和Aerosmith傾斜,stripped-down的重復段,Alice Cooper和Kiss易記的旋律和戲劇化的效果,和Van Halen快速演奏的特點樹立了新的趨勢,雖然對于硬核來說基本的音樂形式仍是一樣的。舞台搖滾同樣成為了一種支配力量,幾乎脫離了所有藍調的影響,誇張地集中了獨奏作為它的標志。在80年代,硬核以平滑的流行金屬取得了統治地位,盡管Gun N Roses, the Black Crowes和一些其它的樂隊仍表演堅韌和更傳統的另類。舊式硬核在前獨立搖滾年代逐漸成為被人遺忘的東西;在車庫後,很多吉他樂隊不僅採用自覺的嚴肅態度,還拒絕寫first-pumping, arena-ready choruses這樣的慫恿。這樣,九十年代確實產生了少量的反對呼聲,像Oasis, Urge Overkill和Pearl Jam。

Psychedelic迷幻音樂

60年代中期,由于英式音樂的影響以及民謠搖滾的壯大,迷幻音樂應運而生。這種風格的音樂並沒有承襲舊式搖滾那種簡練精幹的旋律表達,而是創造了一種更為流暢自由的方式。此風格下的樂隊嘗試著將印第安音樂,東方音樂以及自由風格的爵士樂等各種元素雜糅起來,並且加入了另類的電子樂和合成效果。在1965-1966年間,最初的迷幻風格樂隊如the yardbird和byrds並沒有清晰地體現迷幻樂的輪廓,他們的音樂中有模糊的吉他演奏,錫塔爾琴,和聖樂的效果。不久,許多樂隊模仿了他們的曲調,包括the beatles和the rolllingstones----這兩支樂隊在1966年發行了他們的專輯。又過了不久,迷幻音樂在大洋兩岸傳播開來並影響了許多樂隊,每個地區各有其獨特的氣質。在英國,迷幻音樂充滿了另類的超現實感。然而,一些樂隊----特別是pink floyd和traffic----在演出的時候廣泛地使用樂器,在這一點上,同時代的美國樂隊----如the grateful dead, the doors, love, 和jefferson mirplane----亦是如此。在美國,一些車庫風格的樂隊也開始在其原有的特點上創作迷幻音樂,形成了三和弦搖滾樂的雛形----一種雜亂反復的音樂效果。最終,迷幻音樂演變為酸性搖滾樂,重金屬樂和藝術搖滾樂,但是在後來的十年裏,尤其在美國的地下樂壇,迷幻音樂仍餘音不絕。

Alternative Metal另類金屬

在其初始期,另類金屬以相對于那些可直接分類音樂的不同尋常的敏感形成了自己的風格。重金屬是這種音樂的核心,但是這些樂隊太不規則了,應且他們的影響力對于適合地下的鞭撻金屬來說太折衷了,所以他們主要的樂迷都是些喜歡重型吉他搖滾的人。然而,在車庫音樂幫助另類金屬更豐富從而獲得了大量聽眾,特別是當更多的有闖勁的樂隊逐漸考究他們的音色後,另類金屬開始成為90年代重金屬中最流行的風格。當它表現出幾乎最少重金屬分類類型的時候,它的形式和80年代早期的另類金屬就很不大相同了。同時,大部分幸存下來的硬核朋克樂隊都已轉入到了金屬領域的潮流,推動了地下重吉他搖滾樂隊在別處找尋靈感。最早的帶有重金屬風格的另類金屬分為前衛搖滾(Janes Addiction, Primus),車庫朋克(Soundgarden, Corrosion of Conformity),噪音搖滾(the Jesus Lizard, Helmet),瘋克(Faith No More, Living Colour),說唱(Faith No More, Biohazard),工業(Ministry, Nine Inch Nails),迷幻音樂(Soundgarden, Monster Magnet),甚至是世界音樂(later Sepultura)。這一切的演變並沒有在一個特定的場景下發生,隻是不斷成長的想去嘗試已經形成的那種越來越依靠樂器的純演奏形式。一些這樣的樂隊終于在大眾中獲得了很大的影響力,特別是通過巡回演出,並且他們還為在1993-94年逐漸顯露的另類搖滾奠定了基礎,形成了以Rage Against the Machine 和Korn為代表的說唱金屬,以Tool為代表的不協調音樂,以White Zombie為代表的重。和以Nine Inch Nails為代表的流行突破。這些樂隊將成為在剩餘的90年代期間連同Pantera那種有別于任何鞭撻金屬樂隊的粗厚,溶解的即興重復風格在聲音的製作和另類金屬類型的風格上最具影響的力量。像很多另類金屬樂隊,Pantera是嚴肅的,陰冷的和內在的,但是他們示範了關于此如何具有男子的氣概。在90年的中後期,大部分新的另類金屬樂隊開始玩起了把單一鞭撻,說唱,工業,硬核朋克和車庫混在一起的風格。這種新的聲音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特征和劇烈進攻,因此更多地依靠工作室錄製完成它所展現的力量;然而,它俘獲青少年那種隱藏的主流金屬所代表的男子氣概,從而成為一種商業崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit這些有時配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore內容的樂隊是這場新運動中最大的明星,並且在這十年的末期,無數新的樂隊開始表演那種類似80年代後期微金屬分支的帶有成年性質暴力行為(ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude)的風格。

Thrash鞭撻金屬

鞭韃金屬本質上就是80年代的地下重金屬樂,它主要使用一種用于節奏吉他的推進性的敲擊方法(多虧了手掌悶音這一技巧的產生及運用),具有很強的攻擊性。鞭韃金屬通常具有吉他技術嫻熟、節奏快而狠的特點,有時還會用無調的吉他連復段代替旋律。但是以上這些概括遠不是絕對的標準。早期的時候,鞭韃金屬從本質上看和速度金屬是一樣的,80年代早期美國樂隊的作品就將英國重金屬新浪潮簡潔凶狠的敲擊,以及硬核朋克與摩托黨的節奏混合在了一起。但是,演奏速度金屬所要求的靈敏性和持續的強度漸漸成為其局限,于是各種各樣不同的技巧迅速地成形了:有一些鞭韃金屬樂隊集中精力于中速的反復樂句,偶爾加快速度進入到速度金屬的範圍;還有一些,比如 Metallica 和 Megadeth, 用他們高超的吉他技巧創作出了更復雜更前衛的音樂;剩下的一些則註重音樂的侵略性,用以塑造一種戲劇性的恐嚇的意境。對于80年代末期控製了排行榜的易被人接受的流行金屬樂隊來說,鞭韃金屬提供了一種更硬、更重、更可以確切地稱之為金屬的音樂選擇;所以盡管缺乏在電台上的反復播送,鞭韃金屬依然變得非常受歡迎,以至于90年代早期 Metallica 和 Megadeth 隻是將他們的音樂稍做改進使之更容易被接受,他們就迅速地稱為了超級明星。而地下金屬頭目中的頑固分子則在這次鞭韃金屬引發的死亡與黑金風格中找到了避難所,他們把鞭韃金屬中黑暗的主題和內在的爆發力借鏡過來,並有意地將之發展成為了煩擾的極端事物。

Heavy Metal重金屬

在眾多搖滾的類型中,重金屬是在音量,男子氣概和戲劇化風格上最為極端的。在重金屬聲音的體裁上有很多的變種,但是他們都通過在喧吵的效果,失真吉他的演奏(通常演奏重復段)和簡單,重擊旋律上盡量取得共識。重金屬自從它存在那天開始就不斷引起爭論---批評家從傳統上抨擊了那種故意吸引大部分青少年的舞台劇效果,還有一些保守的組合經常抗議他們所感到的包含有害,邪惡意味的歌詞。盡管有重重困難,重金屬從它的誕生就還是成為了穩定流行的搖滾音樂形式,有足夠的能力去適合這個時期,仍能保持它完美的未被侵蝕的核心吸引力。盡管如美國在聲道選擇上的叛逆的形式,重金屬在很大程度上還是英國的創造物。最初重金屬的種子是在60年代英國藍調運動中被播下的,特別是在那些發覺已很難適應美國藍調natural swing的樂隊中。這種韻律更加沒有規則,增強了電子樂器的使用成為更加重要的特點,特別是通過像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group這些創新的樂手。然而,正如可提出證據加以證明的那樣,最初真正的金屬樂隊是Led Zeppelin。最開始,Zep演奏藍調曲調比任何人都更為沉重和喧吵,並且通過獲取許多音樂源極很快創造一種以大規模,有質感為代表的重型搖滾。更少精細但是可能更大影響力的是Black Sabbath,他的黑暗,沉悶的吉他重復段創造了一種幻想中的世界末日,充滿了毒品,死亡和超自然的迷惑。接下來被Zep和Sabbath所丟棄的這種風格,很多美國的樂隊在70年代把重金屬變更為更易接近的的形式;Alice Ccooper和Kiss易記的曲調和殘暴的舞台表演;Aerosmith的sleazy boogie;Van Halen的浮華吉他引子和狂熱的派對搖滾。在70年代末期,一些隱藏的英國樂隊號成為英國重金屬新浪潮(包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead)開始演奏金屬更為快速,傾斜和使用更多恐嚇。他們的出現為80年代新的美國金屬---鞭撻金屬提供了影響力,這個新事物定性于對金屬新主流流行的突破,它的出現是以Def Leppards Pyromania為代表的。金屬在80年代的輝煌期裏是最為享受的,由于大量的glammed-up流行金屬樂隊,除了鞭撻金屬樂隊激烈演奏復雜的重復段外,有時會融入些柔美的聲樂作品。像Metallica和Megadeth這樣的鞭撻樂隊形成了狂熱的歌迷從而在車庫脫去了他們流行金屬外衣的同一時間推動他們進入了主流。90年代的主流金屬以一種新的叫做另類金屬的混合物為中心,它(在它有效的商業形式上)通過hip-hop和工業的繁榮期結合了grinding trash和grunge的影響力。其間,地下以更粗糙,陰冷的風格成長,產生了兩種類似的,起源于鞭撻的風格,被叫做死亡金屬和黑暗金屬,他們創作了一些最為重要的研磨,劇烈,超速的音樂和金屬世界從未展示的graphic shock tactics。

American Punk美國朋克

美國朋克根源于60年代的車庫搖滾,在音質柔和和現代愛情中有極簡潔派藝術風格特征,它的幾支樂隊——傀儡,the MC5,紐約娃娃——在美國朋克的基礎上發展成真正意義上的朋克搖滾的種類。但對美國朋克真正開始于大約1975-76年的Ramones。在紐約,美國朋克得以繁榮和涌現,類似的音樂在美國劉易斯蓬勃發展,並且向硬核朋克方向積極發展,在Cleverland,它得到了帶有實踐性的幾乎不可思議的發展。一部分原因是由于缺乏媒體的註意;在波士頓,它比真正的朋克更接近于車庫音樂。紐約仍舊是美國朋克的中心陣地,然而,它卻以大批著名的有影響力的藝術家為特色:如Television,Richard Hell,POatt Smith,Blondic,Talking Heads,轉移到Cleverland的Dead Boys等,在80年代,美國朋克開始枯萎並發展成一種新的形式:硬核搖滾,新啦浪潮和另類搖滾。美國朋克沒有象英國朋克那樣滿足後繼的流行音樂革命的需要,但是它繼續滋養著美國地下搖滾近10年的時間,並且在90年代加利福尼亞州中心依賴Ramones,又將使其成為盛行的音樂。

Arena Rock舞台搖滾

舞台搖滾發起于70年代中期,當重型搖滾和重金屬樂隊開始贏取了聲望。這種音樂因其引以為傲漂亮的旋律和贊美詩般的合唱形式逐漸成為商業導向和廣播電台的寵兒,當然還有他們把重型搖滾和普遍的認知的民謠結合起來。大部分這些樂隊是通過他們大量的把唱片傳送給FM電台和持續的巡回演唱會爭得了他們大量的樂迷。如Journey,REO Speedwagon,Boston,Foreigner和Styx就是通過此來成為70年代中後期最流行的樂隊。

British Invasion英國入侵

英國入侵出現在60年代中期,在美國披頭士取得成功性突破時,一波英國搖滾樂隊橫渡到美國市場。盡管不是所有的樂隊演奏都有所雷同,但在從Rolling和Stones Kink的硬搖滾到深受美國搖滾、布魯斯和R&B影響的Gerry和the Pacemakers、Hermans Herimts的範圍內變化。英國入侵樂隊的風格是用吉他演奏迷人的韻律,配以布魯斯、搖滾和流行樂。在1964年到1966年間,英國樂隊壟斷了美國和英國聯合王國的樂隊。在那時候,又涌現出第二波英國入侵的樂隊--比如the Who和“蟒神”樂隊--它們又吸收了美國搖滾和英國入侵流行的優點。在60年代後期,許多樂隊成為搖滾中的偶像,但更多的卻逐漸消失。

British Metal英國金屬

單單來看英國金屬,是和朋克搖滾一樣具有巨大的反動力在70年代中期緩慢發展的重金屬樂隊領域。通過Black Sabbath所表演的grimy riffs形式,英國金屬這個風格比他們的前輩更為快速,強硬和喧鬧。常常穿著皮衣來玩快速,重擊重復段,他們遠離了在70時代早期的重型搖滾領域佔據優勢的AOR-oriented metal風格。Judas Priest, Iron Maiden 和Motorhead都是這張變革的領導者,他們在歐洲和美國贏取了忠誠的跟隨者,即使他們沒有參與主流 他們仍然為所有的金屬樂隊從鞭撻到死亡搖滾,製造了一定的音樂氛圍。

British Psychedelia英國迷幻

雖然屬于英國迷幻樂的分類風格之間在藝術和技法方面十分相似,但她和美國迷幻還是有很多的不同。總的來說,英國迷幻比美國迷幻在演奏上更傾向于流行歌曲的結構,也更有藝術的實踐性。這不是一條硬性和短時間就定下來的規則。然而,他們的簡明正體現了流行的單一性,Pink Floyed依然有它在舞台上的戲劇性,通過演出讓歌曲步入一個未知的領域。然而,有些時候,特別是英國迷幻在錄音棚時,這些總的原則總是過多或過少的被採用。

British Punk英國朋克

盡管英國不是朋克搖滾的誕生地,它依舊是朋克音樂盛行和產生文化碰撞的地方,緊緊把持住其與美國在表達憤怒和叛逆上的不同思想。英國朋克通過酒吧搖滾樂章中的傳統搖滾和任何舞台效果的搖滾形式來得到靈感的,但是最主要的催化劑是早期的紐約朋克如the Ramones 和the New York Dolls。在一個有等級意識的國家誕生並與經濟低迷期的抗爭,朋克似乎對正是這樣一種結構的英國社會造成了威脅,說出了情緒激動的下層階級和憤青們的心聲。它就是通過高聲的喧吵,快速的節奏以及最真實地面對現實來做到這一點的。第一個並且是最具影響力的英國朋克樂隊就是Sex Pistols,他們在1976年出現,並且通過直接煽動造成了很快速的影響以至于所有的英國朋克樂隊都緊隨其後。他們的率真,自然,大膽破除吉他重復段的特點為英國朋克描繪了很好的藍圖,他們帶來的感官刺激,諷刺顛覆般的花言巧語是他們在公眾壓力下成為了魔鬼,甚至在大街上都遭到了人身攻擊。另一個關鍵的英國朋克樂隊便是the Clash,他們不僅僅是史上最具空想主義的樂隊,而且還是音樂上最折衷的樂隊,把早期的搖滾和瑞歌舞結合了起來。但在早期的時候,這種風格很多變的:the Buzzcocks譜出了帶有詼諧浪漫標志的緊湊的流行朋克的曲調;the Jam用適當的改變英國青年們的慶典音樂緩和了他們的社會批評;the Damned一群暴動分子,他們擊敗了the Sex Pistols法系各地一張英國朋克單曲(“New Rose);X-Ray Spex的顯著特征則是它們的成員都是女性。不管他們音樂的收發貨這個詞的主題,能讓其它英國搖滾樂隊分享的是鮮脆的能量,對那個時期停滯的主流音樂的厭惡之情以及讓每個人能完全釋放的動力---拋去他們的演奏技巧而言---能夠隨意用樂器演奏,在舞台上任意發揮,宣泄他們想說的一切和猛擊出一些刺耳的噪音。The Sex Pistols 和the Clash都是主要的標志,唯一可發泄的出口;無論怎樣他們自創的審美學在英國引起了獨立自由音樂的繁榮。第一階段英國朋克伴隨著the Sex Pistols在1978一月份的解散而中止了,但是這種風格仍舊繁盛---它的音樂是朋克的標志---直到1982年左右。在那段時期,殘留的原始朋克已經擴大了他們的音樂風格,並且英國朋克本身已經變異和分裂成一些其它的流派,如流行傳統的新潮,藝術挑逗的前朋克,冰冷陰暗的哥特搖滾,無政府的硬核朋克和早期的另類搖滾。

Britpop英倫搖滾

The Beatles 確立了很長時期的英國傳統和諧的音樂,吉他流行樂隊,是一種通過音樂運動時常更新的傳統形式。然而英倫搖滾採用了很多90年代那些比之前任何時期對傳統音樂的使用都要多的樂隊。盡管這個音樂形式起源于英國音樂獨立時期,但是英倫搖滾有很大的商業價值---著類型的樂隊可以有經濟上很大的報酬,他們是閃亮的,容易讓人上癮的,就像主流流行的歌手們一樣,並且他們為新一代英國年輕人的生活創造了新的精神環境。它被英國的年輕一代瞄準:因為英倫搖滾甚少關心其路線是否會使自身較難被美國聽眾接受,從而使英國年輕的一代充分感覺其唱出了他們的生活,他們的文化和他們的音樂追求。英倫搖滾年輕的活力和渴望公認的特點不僅對90年代早期低調shoegazer風格樂隊的老一輩樂手有沖擊作用,還對美國陰沉的車庫以及在新崛起的地下電子舞曲背後搞創作的樂手有一定的影響力。從音樂上來看,英倫搖滾沿襲了the Beatles,當然也融合了60年代晚期Kinks的田園之聲,中速音樂(the Who, the Small Faces),70年代的迷幻(David Bowie, T.Rax, Roxy Music),朋克和新浪潮(the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello),還有the Smiths的另類吉他流行。所有的這些樂手都是英國音樂的精髓---他們用明顯的英國思維極大的發揮想象,作詞和有譜曲,這也是他們幾乎沒發和美國的Cult相比以及造成英倫搖滾形式單一的一大因素。在影響中分裂後,英倫搖滾已經在曼切斯特擁有了他們最迅速的根基,那是個強調好時機和偏重于shoegazer美學易記曲調的地方。The Stone Roses的頹靡流行風格和搖滾明星的姿態是英倫搖滾創立的主要部分,但是真正意義上的英倫搖滾之父應當屬于

Suede。在1993年他們以同名專輯第一次發行唱片時,他們那融合了glam-rock權威的式樣和Smiths改進後的風格使他們收到了意想不到的出色效果。Suede為之後1994年Blur(Parklife)和Oasis(Definitely Maybe)更強烈的突破開啓了大門,使他們從而很快地成為了英倫搖滾的兩大最流行的巨星。通過前兩者成功,炫目地在樂壇上爆炸而得到靈感,用相似的風格出現的樂隊:Elastica, Pulp, Supergrass, the Boo Radleys也同樣並列于巨星行列。到了1996,隻有Oasis真正的成為了美國樂壇主流音樂的明星。1997年英倫搖滾盛行光環的逐漸消失,也就是Oasis在回顧第三張專輯是表現的貧乏和Blurs轉向美國獨立搖滾的時期。然而就是在這場運動中慢慢暗淡的巨星們,也仍有個別的繼續保持強大的勢利,較少的初期傳統搖滾保持古典風格繼續生存。

Country鄉村音樂

鄉村音樂是屬于傳統的,盡管它簡單的形式使自身無止境的萌發出許多類似的主旋律。像藍調---兩種流派常常分享主旋律, 音調和歌曲---鄉村音樂的核心就是簡單的音樂。大部分的鄉村歌曲都是圍繞三和弦,和平調而創作的,但是這些形式是很基本的,他們允許很多不同的風格,從honky tonk堅硬的聲音到Western Swing即席創作的爵士樂。鄉村音樂由美國南方民謠(Appalachian和藍調)而來,早時期的鄉村音樂是簡單和民族的,僅用吉他和小提琴。當流派在不斷的派生時,早時期的由吉他和小提琴組成的鄉村音樂通過honky tonk和Western Swings到早期流行的Countrypolitan 和使搖滾改變風格的Bakersfield Sound從而被驅策為傳統的鄉村音樂,成為現代鄉村音樂的基礎。

Country-Rock鄉村搖滾

本質上來說,鄉村搖滾是搖滾的樂隊在演奏鄉村音樂。它是通過相反的文化觀念而形成的鄉村音樂,同樣,它依靠擴大的高聲喧鬧,卓越的基調強節奏和流行的音調。第一個鄉村搖滾樂隊---the Flying Burrito Brothers, Gram Parsns, the Byrds和Neil Young---演奏直接的鄉村音樂,從Merle Haggard和Buck Owens的Bakersfield樂曲中獲取靈感,就如honky tonkers像Hank Williams一樣。在這些流派進入了70年代後,較粗糙的邊緣被平緩的劃除,比如the Eagles, Poco, Pure Prairie League 和Linda Ronstadt創作出更平緩更舒暢的音樂一樣。這就使鄉村搖滾在70年代成為傑出的類型。在80年代末,一個另類搖滾的小樂隊開始復甦了早期Parsons 和Young剛毅曲風。

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