寫意畫

寫意畫

寫意畫即是用簡練的筆法描繪景物。寫意畫多畫在生宣上,縱筆揮灑,墨彩飛揚,較工筆畫更能體現所描繪景物的神韻,也更能直接地抒發作者的感情。寫意畫是在長期的藝術實踐中逐步形成的,其中文人參與繪畫,對寫意畫的形成和發展起了積極的作用。寫意畫主張神似。寫意畫註重用墨。

  • 中文名稱
    寫意畫
  • 外文名稱
    freehand brush work
  • 藝術形式
    寫意畫是融詩、書畫、印為一體
  • 作畫工具
    紙、筆、墨

發展簡述

寫意畫是在長期的藝術實踐中逐步形成的,其中文人參與繪畫,對寫意畫的形成和發展起了積極的作用。相傳唐代王維因其詩、畫俱佳,故後人稱他的畫為“畫中有詩,詩中有畫”,他“一變勾斫之法”,創造了“水墨淡,筆意清潤”的破墨山水。董其昌尊他為“文人畫”之祖。五代徐熙先用墨色寫花的枝葉蕊萼,然後略施淡彩,開創了徐體“落墨法”。之後宋代文同興"四君子"畫風,明代林良開“院體”寫意之新格,明代沈周善用濃墨淺色,陳白陽重寫實的水墨淡彩,徐青藤更是奇肆狂放求生韻。經過長期的藝術實踐,寫意畫代已進入全盛時期。經八大、石濤、李、吳昌碩齊白石、朱宣鹹等發揚光大,如今寫意畫已是影響最大、流傳最廣的畫法。

張東林寫意畫張東林寫意畫

寫意畫主張神似。董其昌有論:“畫山水唯寫意水墨最妙。何也形質畢肖,則無氣韻;彩色異具,則無筆法。”明代徐渭題畫詩也談到:“不求形似求生韻,根據皆吾五指裁。”

寫意畫註重用墨。如徐渭畫墨牡丹,一反勾染烘托的表現手法,以撥墨法寫之。元代吳鎮論畫有雲:"墨戲之作,蓋士大夫詞翰之餘,適一時之興趣,與夫評畫者流,大有寥廓。嘗觀陳簡齋墨梅詩雲:'意足不求顏色似,前身相馬九方皋。'此真知畫者也。"

寫意畫強調作者的個性發揮。揚州八怪以“怪”名世,作畫不拘常規,肆意塗寫,並以一個"亂"字來表露他們的叛逆精神。鄭板橋曾表白:"近代白丁(民道人)、清湘(石濤)或渾成或奇縱,皆脫古維新特立。近日禹鴻臚(之鼎)畫竹,頗能亂,甚妙。亂之一字,甚當體任,甚當體任。"(<鄭板橋集補遣>)金冬心畫竹也是喜"亂",曾言:"用焦墨竿大葉,葉葉皆亂。"寫意畫多以書法的筆法作畫,同時寫意車的用筆也極大地豐富了書法的表現形式,所以寫意畫家多半是書法學。如鄭板橋擅長書法和繪畫,相互參融,以畫法作書,創隸書間于行楷之中“六分半書”,又以書法的筆法作蘭竹,風格明快勁峭。清人蔣士銓評曰:“板橋作字如寫蘭,波磔奇古形翩翩;板橋寫蘭如作字,秀葉蔬花見姿致。”

張東林寫意畫張東林寫意畫

寫意畫是融詩、書畫、印為一體的藝術形式。揚州八怪之一的李,喜在畫上作題跋,長長短短,錯落有致,使畫面更加充實,也使氣韻更加酣暢。“畫不足而題足之,畫無聲而詩聲之,互相為用”(葛金<愛日吟廬書畫錄>),既反映了李繪畫的實際,也體現了寫意畫的基本特點。近代吳昌碩、齊白石也是兼此四絕的藝術大家。這種手法在語文中也有運用到,可以用來描寫人物,通過刻畫人物的性格、氣質來描寫一個人。

寫意分類

寫意人物畫

寫意畫寫意畫

五代石恪的<二祖調心圖>即以狂草的筆意,畫出深具禪意的作品,到了南宋的畫家梁楷發展減筆人物畫,開拓新風氣,而且創造了大筆潑墨法,成為寫意人物畫的代表性畫家,其作品<潑墨仙人圖>、<李太白行吟圖>等皆運用豪放而簡潔的筆墨,生動的表現出人物的神韻。近代自揚州八怪以來,也有不少擅長水墨寫意人物畫的畫家,逐漸形成中國人物畫的一個主要潮流。 寫意人物畫宜選用生紙,通常先以炭筆在畫紙上輕輕鉤畫輪廓(如已熟練,則不必用炭筆鉤輪廓),然後蘸墨先畫主要的線,塗上大的墨色面逐漸加重,再畫次要的線與色面,盡量避免用瑣碎的筆墨,以免破壞整體統一。在生紙上作畫,一互失敗了就很難修改,故用筆用墨時,必須考慮整體的調和該強調的地方(如眼睛)必須畫得傳神。用墨畫後,再上產色,著色燎應慎重,依據人物的結構、明暗的關系來表達彩色,才能增加色彩的變化,活生生地反映人物的精神和表情。

寫意花鳥畫

寫意花鳥畫是中華民族的傳統藝術之一,是註重內在精神修養,氣韻和意境情趣的傳統藝術。是以高度概括、洗練為特征,不苛求工細致微,而是用簡練的筆墨,概括的語言求其大形、大神、大氣、大質、大勢、大趣、大意境,有著鮮明的藝術風格、獨特的審美規律及特殊的筆墨語言和表現技法,花鳥畫最初隻是作為人物畫的配景出現的,唐代開始,花鳥畫才獨立成科,成為中國畫的一面不可缺少的大旗。

中國繪畫門類中,花鳥畫所描繪的對象相對來說是比較單純的,在形象的塑造上有著比較大的自由度,初學中國畫者往往先從花鳥畫入手,特別是少年兒童,隻要有興趣並稍加學習,很快就會畫出一副象樣的花鳥畫來

寫意畫寫意畫

,但花鳥畫的內容題材極為廣泛,各種花卉、蔬果、景物、鳥、魚、蟲、各種動物等皆為表現的範圍之內,要想畫出有較高藝術水準的作品,除了熟練地掌握用筆用墨技法外,還要理解不同對象的結構特征、不同季節的形、態、神及色彩變化,意趣意境的表現,“靈性”的感悟,這就要求多觀察、寫生,手中積累大量的素材,才會得心應手。

臨摹寫生,是花鳥畫學習的兩門必修之課,缺一不可,臨摹是為了學習前人總結出來的繪畫語言

和技法技巧,是以學習傳統為主,稱為“師古人”,初學者從臨摹入手,可在短時間內“依著葫蘆畫成瓢”,不但學習筆墨的技法,還利于初學者對中國畫這一形式的理解,還能體會到造型的方法,是學習花鳥畫的一個捷徑,隻有經過一段時間的臨摹學習,才能套用中國畫特定的筆墨形式和技法,得心應手地去表現對象。臨摹有對臨、背臨、意臨,無論那種方法,都應在下筆之前“讀畫”,即分析、揣摩他人的作品,以達到“胸有成竹”,方能“下筆有神”。

寫意山水畫

寫意畫寫意畫

山水畫的畫法是寫實的又是意象式的,具有表現性。從實質上是用寫實手法以求達到“極貌以寫物”的境地。表現山川雲樹的質量感、空間感及季節與風雨雪等氣象變幻之美,是山水畫家潛心探求的重要課題。但是中國山水畫的畫法不是西方風景畫的照相式純摹寫自然,山水畫中的山川雲樹都是經過畫家主觀意象加工的產物。正如山水畫大師黃賓虹所說:“山川自然之物,畫圖人工之物。”山水畫中山川雲樹是畫家依照自然營造的胸中丘壑。所以,歷來有造就的山水畫家多數是本著“外師造化,中得心源”的精神,不斷探求自然奧秘,捕捉山情水意,錘煉表現方法和抒寫自身性靈的藝術語言。山水畫與其門類傳統繪畫及書法一樣,結構簡單而性能豐富的毛筆及水墨是主要工具材料,且畫家多有書法素養,從而形成山水畫以線條水墨為重的筆墨技巧表現模式,為了主觀情感表達,重筆情墨趣和筆墨形式的感人力量。舍棄削弱自然光景及自然色彩的刻意追求,創造了散點透視和三遠法構景方法,以及以少勝多的概括程式,以求主觀情感表達的極致和“意境美”的創造。營造激發共鳴的畫中境界,是山水畫中之魂。它體現了人和自然美的關系,反映了自然規律和藝術規律的辯證關系。

意境欣賞

謝赫的六條標準“六法”,它們分別是:1、氣韻生動;2、骨法用筆;3、應物象形;4、隨類賦彩;5、經營位置;6、傳移摸寫。這裏對六法的解釋為:氣韻生動:指創作上主題明確,表現真實,形象生動。骨法用筆:指描繪形象上的筆致與線條。應物象形:指選擇題材的合度,觀察與描繪對象要深刻細致與正確。隨類賦彩:根據不同的描繪對象,準確而必要的著色。經營位置:指題材上的取舍與組織,畫面的構思與安排。傳移摸寫:指接受前人的傳統。當然,欣賞是帶著時代的眼光的,人們的欣賞情趣也有著時代性,在繪畫的表現方法上不同、欣賞者也會提出不同的欣賞要求,畫家本身欣賞畫的時候一般偏重技巧,而欣賞者是為了豐富精神生活,陶冶情操,那麽欣賞就偏重于畫的內容及感染力,不管是從哪一點出發欣賞畫,都需要久看細看,用一種研究的眼光來看,才能看出它的奧妙,達到欣賞的目的。有欣賞經驗的人都知道,有的畫初看印象不錯,還想再看,但看了幾次之後卻會覺的這幅畫沒有什麽意思,也有的畫初看似乎平淡,但看了幾次之後,你就會發現它有豐富的內在美。在欣賞中國寫意畫時要把握以下幾個特點,如此才會從中得到藝術的享受。 立意

當你看畫的時候,首先打動你的是它的立意是否生動,第一印象很關鍵,如感覺好才使你仔細的看下去,深入地研究下去,如果一幅畫給你的印象是呆板的,它怎麽能吸引你呢?立意生動是一幅畫給人的一種綜合感覺,以欣賞的角度來看,所以能被一張畫所感染,是因為它的內在美,而這種內在美是通過形式的美表現出來的。

古人說作畫必先立意,所謂立意就是畫的主題。畫家在作畫之前應把意放在筆先,通過繪畫來表達他對生活的看法,把自然景色和個人的感情結合在一起。如畫就要把梅花迎風鬥雪和耐寒的品格畫出來,畫要有傲霜的精神,畫竹要亭亭玉立,虛心有節,蒸蒸日上。立意的生動是中國畫內在美的流露,這裏即有畫家的主觀因素,又有欣賞者的主觀因素,所謂畫家的主觀因素就是畫家對所描繪的客觀自然景象的觀察、感受、體驗,並把感情移入其中。所謂欣賞者的主觀因素,就是欣賞者在看畫時所產生的想象和聯想。因為欣賞者看畫的角度不一樣,以及欣賞者本人的文化修養貭素的高下都決定著欣賞水準的高低。如當代畫家李苦禪畫的墨荷,水墨淋漓,灑脫奔放,開創了中國近代大寫意的一代畫風,看上去好像畫家在橫塗豎抹。有的欣賞者認為荷葉畫的太離形,不符合自然生態的本相。把葉子改成用綠色就更好,從這一點充分說明了欣賞者的文化品位,我感覺一塊水黑淋漓的石頭,在有的人眼中可能是無情物,可是在特定的空間和時間裏它卻常常顯現出一種特定的性格。

形與神 形與神一直是中國畫創作和欣賞所重視的問題,欣賞中國的寫意畫用自然景物作為尺規,是不全面的,追求表現對象的形體準確、逼真,並非寫意水墨畫的主要使命,寫意畫貴在得意,它不但寫出對象的外形,更要寫出對象的神情,同時也強烈地包涵著畫家自身抒發的意境和意趣。隻求形似,不是藝術。如動物和植物的標本掛圖,可以畫的非常準確,但沒有人把它們掛起來欣賞。在欣賞中國寫意畫的時候經常看到畫面的景物變形。這也是寫意畫通常運用的手段,變形猶如文學上的誇張手法如李白的詩句“飛流直下三千尺”,或平時人們激動時常說的心要“跳出來”了一樣,它強烈、新奇但依然是自然而近情理。

構圖

張東林寫意畫的構圖,通常要隨手拈來而清新不俗。看一幅畫的好壞應掌握兩個主要方面的內容:①虛實:中國畫裏虛實關系可以說無所不在,貫穿在一種藝術的始終,沒有虛實的辯證統一藝術就失去了節奏,失去了變化,失去了發展。賓主、疏密、輕重、大小、縱橫、開合等等繪畫法則,都是從虛實出發,根據虛實的要領進行構圖處理的。以虛帶實,以實帶虛,虛中有實,實中有虛,虛實結合才產生無窮的變化來,有景為實、無景為虛,這是指畫面上的虛實;有景、有情,有意化為虛,化虛為實,這是指創作者的構思與欣賞者的聯想。②奇特:構圖的不平凡總是發源于畫家不平凡的構思。齊白石晚年曾畫過一幅<荷花影>:一株斜出的荷花在水面上映出它的倒影,一群小蝌蚪正集隊圍繞著新奇的花影親昵地追逐著,荷花映在水面的影子,它不是跟實物呈順向的,肉眼從水面上側視可以見到這花影,而水下的蝌蚪決無察感到這是花影。可見藝術離不開奇思妙想,離不開藝術天地裏特有的真實性。

筆墨

筆墨是中國寫意畫的主要特征,標志著它的高度藝術成就,這種獨特的表現技巧和民族風格,是由中國畫有一套完整的筆墨工具所形成的。筆墨對于表現描繪對象,加強畫面的生動性和感染力,有特別重要的作用,一幅畫裏筆和墨如同骨肉,不可分離,欣賞一幅畫用墨水準高下,要看用墨是否靈活,還是呆板,用墨沒有幹濕、濃淡的變化,亂成一片,沒有光彩叫做融會貫通墨,相反用墨靈活,變化多端,叫做活墨。古人有書畫同源之說,有好的用筆,才有好的線條。筆法奇詭多變,得心應手,是製作者的一大機關,也是欣賞者品評的一大標準。筆墨是相通的,墨色在中國繪畫裏似乎能替代一切原色,比如梅蘭竹菊多用墨色畫線,誰也沒有因為它違背了生物固有的荷葉、花苞、蘆草、遊魚結合在一個畫幅裏,它依然能給人以清新、豐滿的藝術感受,墨色是豐富的有變化的。墨經過調水可成為濃淡幹濕焦五彩,齊白石是寫意畫大家,他對水墨的運用一絲不苟,精意刻劃,他筆下的<蝦>掌握水墨紙的性能都到了化境,分辨出它那裹身薄薄的外殼,它那剔透似玉的肉質,它那輕盈跳躍的動態,引誘讀者要捕捉到手上來看個究竟,但似乎又畏懾于它那猛利的雙鉗而縮轉雙手,這出神入化的水墨表現令人痴醉。成功寫意畫家的用墨使欣賞者懂得,一張水墨畫的高下不但要看畫家抖擻的氣魄,更要看他透過隨意的精心刻劃而表現出的膽力和閃爍的魂靈。

詩與畫

詩和畫有姊妹藝術之稱,看了一幅畫就像讀了一首詩。有的人在欣賞繪畫時常有這種感覺,這是被那幅畫的詩意,或者說詩的意境所打動了。所謂

“詩中有畫,畫中有詩”,是提倡詩和畫都要追求一種美妙的意境,一幅成功之作,它給人的不隻有景而且有情,有情與景的交融,這就是所謂一片自然風景是一個心靈的境界。

作為情與景的交融,詩和畫都有著同樣的要求。“遠上寒山石經斜,白雲生處有人家,停車坐愛楓林晚,霜葉紅于二月花”。這是詩,但讀起詩好像又似一幅畫。一幅成功的畫,可把觀者帶到詩的境界中去,一幅出色的中國寫意畫,配以書法、詩文、印章,就能蘊蓄深厚博大的意境。

中國寫意畫本身就是多方面藝術修養滲透、補充而成的綜合藝術,因而從欣賞的角度應具備以上諸方面的體驗,這樣才能真正獲得藝術的欣賞力,從中得到其藝術享受。

用筆方法

(1)筆意

就是要意在筆先,畫家下筆時要心使腕運,以一種特定的情感、意念去驅使筆墨,才能因意成象,以象達意。筆意是用筆之總要,無意之筆是死筆。歷代畫家創造的藝術,所以能激動人心,主要是畫家在筆墨技巧中融進了激情和意趣。

(2)筆力

就是運筆的力度感,是形式美感的重要因素。筆的力度感有兩種內涵:

第一是功力的力。所謂“力透紙背”、“筆能扛鼎”就是一種運筆功力的表現。表現運筆功力的程度有“老”與“嫩”之說。功力的老到,要有一個長時間的錘煉過程才能做到,所謂“學力到,心手相應;火候到,自無板、刻、結三病矣”。功力老到的畫家,即使柔細的線條,也能做到柔中有剛,棉裏藏針,有內在的力度。而初學者,無論使多大的勁,筆痕還是稚嫩無力,所以,筆力是一個長期的功夫。

第二是氣力的力。屬于用筆技巧,隻要掌握用筆的方法和規律,就能做到。運氣使力的方法,首先是下筆前的用意要有力,要全神貫註,凝神靜氣,然後以意領氣,以氣導力把全身的氣勁由臂至腕,由腕至指,再由指把力註于筆端,使勁力自然透出筆端。切忌表面的劍拔弩張、火氣十足。

(3)筆韻

所謂筆韻,有韻味和韻律二種含意。韻味,就是要求通過用筆的輕重、虛實、剛柔、方圓、徐疾、頓挫等變化,求得畫面的統一與和諧。如同音樂一樣,有一個基調、一個主旋律。韻律是用筆要有運動感和節奏感。和書法一樣,講究線節奏,“側法如飛鳥翻然而下”,“勒法如勒奔馬之韁”,“輕如行雲流水之變動”,“重如高山墜石之勢”。

(4)筆趣

筆趣有意趣和天趣兩種含意。用筆有趣,才能使觀者賞心悅目,獲得美的享受,故筆趣乃是使畫產生形式美感的關鍵。用筆的意趣,在于巧妙地處理筆的生熟、巧拙、老嫩等關系。用筆熟而生巧,美則美矣,但會流于匠氣、市井氣。所以筆貴在熟而後生,由熟返生,“畫到生時是熟時”,才生意趣。用筆靈巧、奇妙,固然不易,但要警惕流于甜俗。所以用筆貴在古拙,由巧而到拙,純樸而磊落大方,乃生機趣。

設色

1、中國寫意畫“以情運色”的藝術境界

寫意畫,隻從形式上說,是一種水墨淋漓的繪畫,也稱作水墨畫。敷彩,就是進行著色。由于寫意畫以筆墨變化為主,而著色則次之。渲染的主要作用是加強形體的質感,協調線與皴擦的關系,增加畫面的氣氛,為了更加生動地、豐富地描寫生活,仍然要重視色彩在繪畫中的作用。比如寫意人物畫的色彩關系,按照傳統手法,認為基本上是-‘‘平光”的觀念,即主要是根據固有色的變化著色,例如臉頰是紅的,嘴唇也是紅的,著色時隻要區別于一般的膚色就行了。但是,我們著色時,可根據現實生活的具體情況,常常打破傳統手法而吸取西畫的方法,用顏色在表現固有色的同時,又表現形體的明暗調子關系;有時還通過處理“反光” “逆光”的顏色效果,更加生動地表現出了生活的真實氣氛與人物的情緒。例如畫煉鋼爐前的工人,鍛冶的場面,通過爐火正紅的色彩反射,充分表現出工人階級在生產建設崗位上,為實現“四個現代化”的宏偉目標,而努力奮鬥的時代精神面貌。對于這種現實生活的人物描繪,如果拘泥于傳統的著色方法,顯然是不可勝任的。

2、不同的色彩感覺飽含了畫家不同的情感

作品的情感不一定是作者自己的內心情感。色彩不以自然色彩為滿足,有待心靈的加工。藝術家在調配,表現色彩時,註入各自的情感。中國的藝術之所以最“真實”,事實上是“最寫意”,就是最能表現完整的生命意趣。中國傳統藝術也由很寫意而達到了很寫實的效果。其原因就是中國藝術的目的是追求人生的最高境界,它“使片景孤境能組織成一內在的自足的境界,無待于外而自成一意義豐滿的小宇宙,啓示著宇宙人生的更深一層次的真實”。

3、寫意畫墨色的表現性

中國寫意畫中所謂的“畫由心生”是指寫意畫的筆墨用色,出神入化,狀物抒情,變化萬千的筆墨傾訴了創作主體--畫家的思想,情懷和感受。不同情感、情緒下畫家用色的每一格細節變迭都緊扣著畫家的心理活動。這種筆墨用色的情感表達是在兩個層面上得以實現的。寫意畫偏重于表現,抒情、言志,西方現代繪畫註重主觀、表現,情感,在強調繪畫抒發創作主體的內心情感上兩者頗有相似之處。

無論是從縱向繼承或是橫向借鏡,都不能忽視畫家本人的內在心理貭素和感情因素。強調筆墨用色的情感表達,在一定程度上就是強調袒露畫家本人的情感個性和獨創性,用自己的聲音唱心底的歌。虛偽的感情隻能導致作品的矯揉造作,毫無牛氣。

4、有關中國畫筆墨設色的審美情趣

畫家通過繪畫來表達他對生活的看法,把自然景色和個人的感情結合在一起。寫意畫是中國特有的文化樣式,它是“意”與“境”的融合,更是意境與意象的統一體。意境與意象是寫意畫的基本審美特征。中國傳統的“天人合一”將不再是古典式的和諧寧靜,而將是一個充滿沖動、苦難、爭鬥的過程;“天人合一”不再隻是目的,而且也是過程。所以分析意境與意象的特征及其關系,對于我們正確理解和傳承民族文化精髓,尋找促進當代中國畫健康發展的途徑具有積極意義。

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寫意畫寫意畫

朱耷(1626—1705),族名統,號彭祖、八大山人,別號雪個、個山、人屋等,南昌人,明末清初傑出畫家。 他一生從事繪畫,結合詩、書、篆刻,尤以花鳥畫稱美于世。在畫法上,他以大筆水墨寫意畫著稱,精工之作也非常高妙。在創作上取法自然,筆墨簡練,氣勢磅礴,布局疏朗,意境空曠,創造出高曠縱橫的獨特風格。其書法,純樸圓潤,自成一格。他把國亡家破的滿腔悲憤發泄于書畫之中,筆簡形具,變形取神,形神兼備,如鼓腹的鳥,瞪眼的魚,禽鳥多一足著地,以示與清廷勢不兩立;還常把“八大山人”四字聯綴草寫,形似“哭之”“笑之”,以表他哭笑皆非的痛苦心情。他許多隱晦幽澀的詩句、跋語,含蓄幽奧地寄寓對清廷永不屈服的精神。他的治印藝術精闢多變,詩多古僻幽奧,隱晦艱澀。

他一生創作豐厚,雖散佚不少,仍有很多晚期的書畫精品流傳于國內外。

八大山人的書畫藝術成就與原濟(石濤)、弘仁髡殘合稱為“清初四僧”。清代鄭板橋,近代任頤、吳昌碩,現代傅抱石、齊白石、潘天壽李苦禪張大千等著名書畫家都贊美並繼承、發展他的畫派風格;日本、美國、加拿大等國畫家、學者研究八大山人的書畫藝術之風甚盛。1959年10月1日,在南昌青雲譜成立了八大山人紀念館。1986年10月,南昌市人民政府舉辦了紀念八大山人誕辰三百六十周年國際學術活動,展出真跡一百一十餘幅,把八大山人的藝術研究和宣傳推向世界。

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